Las Meninas.

Título.↬ Las Meninas.

Autor.↬ Diego Velázquez.

Año.↬ 1656

Estilo.↬ Barroco.

Técnica.↬ Óleo sobre lienzo.

Localización.↬ Museo del Prado.

Descripción física.↬ El cuadro que vemos se llama "Las Meninas" y está hecho por Diego Velázquez, acabado en 1656. Su técnica es del óleo sobre lienzo, del estilo Barroco español.


Introducción.


Nos encontramos frente un cuadro de Diego Velázquez, pintado en 1656, y que pertenece al barroco español. Se encuentra en Madrid, en el museo El Escorial.

Análisis.

La técnica de este cuadro es la del óleo sobre lienzo, y el soporte es el lienzo. Tiene mucha perspectiva, ya que a medida que nos alejamos se puede ver que los personajes se están haciendo más pequeños.
La luz viene de frente, iluminando la sala, las meninas, la infanta y el interior. Se utilizan colores claros en la infanta, indicando limpieza y riqueza, mientras que las meninas visten colores más oscuros, pobres. 
Se observan detalles como el es espejo. Se observan dos personas, observando la escena que hacen las meninas.Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes, que se encuentran 'viendo' lo que nosotros vemos, el cuadro.Existen ventanas en la pared derecha y están abiertas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. 
Utiliza unos detalles muy específicos. El perro está tan bien pintado que tan solo le faltaría ladrar. Parece muy real.

Conclusión.

Hemos analizado uno de los cuadros más famosos del Barroco español, la luz, la técnica y los detalles que este bonito cuadro contiene.
'Meninas' proviene del portugués, que significa 'dama de compañía'

Palacio de Carlos V

Ficha de arquitectura.

-Autor: Pedro Machuca.
-Año: 1526.
-Estilo: Renacimiento.
-Técnica:
-Localización: Andalucía, España.

Introducción.

Este palacio fue diseñado por Pedro Machuca en 1526, su estilo es renacentista. Su
planta tiene forma de cuadrado pero su patio central es circular.

Análisis.

Este edificio es un palacio el cual su planta es cuadrada con un patio circular en el
centro. En el patio se ven unos pilares con forma de cilindros decorados a los extremos
que rodean todo el patio en dos plantas. Las puertas y ventanas están decoradas con
arcos de medio punto muy representativos del renacimiento. También se constituye de
una bóveda anular que es la que aguanta todo el peso de la construcción. En cuanto a la
iluminación podemos hablar de que la luz entra a todas las habitaciones gracias al
amplio patio central. Este edificio se construyó para Carlos V.

El nacimiento de Venus

El nacimiento de Venus

Ficha de pintura.

-Autor: Sandro Boticelli
-Año: 1484
-Estilo: Renacimiento.
-Técnica: Temple sobre lienzo
-Localización: Frorencia, Italia.

Introducción.

Nos encontramos frente a un cuadro de Sandro Boticelli, titulado “El nacimiento de
Venus”. Este cuadro fue realizado en 1484, en Florencia, Italia. Su estilo es renacentista.

Análisis.

En el cuadro se ve a Venus, hija de Urano. Esta realizada al temple sobre lienzo, no se
aprecia bien la perspectiva, ya que no hay ningún elemento que nos transmita
profundidad o lejanía en el cuadro. Sí que hay una buena iluminación que se puede
apreciar. Los colores usados son colores llamativos para los trajes de los dioses alados
que la empujan hacia la orilla, donde una ninfa espera para ponerle un manto rojo a
Venus. Este cuadro trata sobre la llegada Venus, se la muestra al desnudo pero no así
para transmitir el amor carnal, sino que, Boticelli quiere transmitir inteligencia pura o saber supremo.

Conclusión.

Este cuadro me parece muy bonito, ya que no quiere tratar a la mujer como solo uso de
amor carnal, sino que quiere demostrar que es inteligente.

Apolo y Dafne

Apolo y Dafne.

Ficha de pintura.

-Autor: Bernini.
-Año: 1625.
-Estilo: Barroco.
-Técnica: Esculpido en Mármol.
-Localización: Roma, Italia.

Introducción.

Esta obra titulada “Apolo y Dafne” fue esculpida por el artista Bernini en el año 1625,
su estilo es el barroco.

Análisis.

En esta escultura se observa como Dafne se transforma en laurel, debido a que ella
estaba siendo perseguida por Apolo, que tenía una obsesión amorosa por Dafne, ella
sentía lo contrario. En esta obra de Bernini se quiere captar el momento en el que Apolo
ve a Dafne convirtiéndose en laurel.
“Apolo y Dafne” esa esculpido en mármol. Esta obra está exenta al marco, y ambas
figuras se encuentran de pie. Las dos figuras muestran expresiones tanto faciales como
físicas, justo al contrario del renacimiento, donde las esculturas estaban rígidas. Las
expresiones se ven entre dolor, desamor, tristeza…

Conclusión.

Esta escultura expresa sentimientos de desamor y dolor, además la historia que hay tras esa obra es muy bonita.

La escuela de Atenas.

Título.↬ La escuela de Atenas.

Autor.↬ Rafael Sanzio.

Año.↬ 1509 y 1910 (boceto) y 1510 y 1512 (pintura)

Estilo.↬ Renacimiento.

Técnica.↬ Pintura al fresco.

Localización.↬ Ciudad del Vaticano.

Descripción general.↬ La escuela de Atenas es un cuadro que tiene de base 7,70m y de altura 5m pintado por Rafael Sanzio en los años años 1510 y 1512 con el estilo renacentista.
Se encuenta actualmente en el museo del Vatiano, en la ciudad del Vaticano.



Introducción.


Nos encontramos frente a uno de los cuadros más famosos de Rafal Sanzio. Su estilo es renacentista, y representa la filosofía, en una escena en la que se puede ver una 'reunión' entre famosos filósofos.
Platón y Aristóteles aparecen en el centro del cuadro.


Análisis.

La técnica que se utiliza es la pintura al fresco (es cuando la pintura se realiza sobre una superficie cubierta de dos capas de cal) y su soporte fue una pared.
Tiene mucha y muy buena perspectiva. Se puede observar que cada vez que nos 'alejamos un poco' los filósofos se van haciendo más pequeños, mientras que los de delante, son grandes ya que están muy cerca.
La luz entra por todo el área, ya que arriba hay aperturas, por las que la luz penetras libremente al lugar.
Los colores utilizados son claros, comprendiendo entre aquellos; el rojo, el azul, y tonos de blanco amarillento, beige...
Se compone de filósofos.
Su tema principal es el de la filosofía.
Las personas que salen en el cuadro, tienen distintas expresiones, por ejemplo; Aristóteles yace culto y lo que parece, hablando sobre un tema con Platón.

Conclusión.

Hemos analizado uno de los más famosos cuadros de Rafaelo, la escuela de Atenas, Donde principalmente el estilo es el Renacimiento, por sus expresiones cultas y los colores llamativos y claros que hay.
También, la luz es algo esencial, ya que reina mucha luz en el cuadro.

El rapto de Proserpina.

Ficha de escultura.
Título. ↬ El rapto de Proserpina.

Autor. ↬ Gian Lorenzo Bernini.

Año. ↬ 1621y 1622.

Estilo. ↬ Barroco.

Técnica. ↬ Mármol.

Localización. ↬ Galleria de Borghese.

Descripción gráfica. ↬ Es una escultura del estilo barroco hecha por Gian Lorenzo Bernini, esculpida en mármol.

Introducción.

El rapto de Proserpina es una escultura diseñada en mármol de estilo barroco entre los años 1621 y 1622.

Análisis.

Podemos observar a dos personas en la escultura; Plutón y Proserpina. Podemos observar también el rechazo de ésta hacia él, que intenta acercarla y ella hace lo posible para alejarlo. Se observar unos detalles muy bien hechos; como por ejemplo los dedos de Plutón en la pierna de la mujer.

Para hacerla, Bernini utilizó como material el mármol. La textura de la escultura se puede observar a simple vista que es lisa y muy bien pulida. Nos damos cuenta de que es una muy bien trabajada y una de las mejores esculturas cuando observamos que Bernini transformó el mármol en carnosidad, dando efectos de sensualidad y erotismo.
Se observan los detalles que hay cuando observamos el rostro de Plutón mientras es empujado por Prosperina. Su piel se estira, y entonces su mano aprieta la pierna de la mujer.
La posición es un contraposto retorcido, una reminiscencia del Manierismo.
La obra tiene carácter violento y dinámico, el rechazo de la mujer hacia el hombre, creando diferentes expresividades.
La mezcla entre atracción y rechazo impregna toda la obra en una llena de expresividad.



Conclusión.

Hemos analizado una escultura de Bernini, del Barroco.
Es una de las más importantes de éste, ya que es famosa por sus precisos detalles.
El mito acaba siendo un modo muy bueno para la lección moral; así oponiendo la brutalidad de Plutón a la belleza de Prosperina, se confronta el vicio con la virtud. 

Inmaculada del Facistol

                                                               Ficha de escultura:

1. |título = La Inmaculada del facistol

2. |autor = Alonso Cano

3. |año = 1655-1656

4. |estilo = Barroco español

5. |técnica = Madera policromada

6. |localización = Catedral de Granda

7. Descripción general= Es una de las muchas representaciones de la virgen inmaculada.

                                                                         Introducción

Obra La obra se llama La Inmaculada del facistol esculpida por Alonso Cano entre el 1655 y 1656 estilo barroco español.

                                                                 Comentario 



· Material y técnica: Esta compuesta por madera de cedro policromada.

· Adaptación de la obra al marco arquitectónico: representa el cuerpo entero de María

· contrapposto: La inmaculada está de pie sobre una nube en la que se representa ángeles ella está con la pierna izquierda inclinada hacia adelante dando una sensación de movimiento sus dos brazos tiene forma de L hacia el centro donde sus dos manos se encuentran como si estuviera orando su cabeza esta inclinada hacia el suelo.



· Función: Tiene una función representativa religiosa que Representa a la Virgen María en su advocación de la Inmaculada Concepción. Esta creencia dice que Dios preservó a la Virgen María al nacer del pecado la inclinación al mal con que vienen al mundo todos los hombres para preparar de esta manera a la que iba a ser madre de Jesús su Hijo

· Tema: Religioso

· , expresividad: La intenta crear como para representar pureza .

·

                                                             Conclusión



Durante la época barroca la escultura aumento su importancia constituyo el elemento central de plazas, parques, fachadas etc.

INMACULADA DE MURILLO

|título =Imaculada de Murillo

|autor =Bartolomé Esteban Murillo

|año =1678

|estilo =barroco

|técnica =óleo sobre lienzo

|localización =Museo del Prado(Madrid)

Descripción general=en este cuadro se representa una mujer flotando sobre las nubes y rodeada de ángeles. Es un cuadro religioso y barroco.




INTRODUCCIÓN

Este cuadro fue pintado por Bartolomé Esteban Murillo en 1678, en óleo sobre lienzo, su estilo es barroco y se localiza en Madrid en el Museo del Prado.




ANÁLISIS

Este cuadro está hecho en óleo sobre lienzo, tiene perspectiva, también se puede ver que el rostro de la mujer y el vestido blanco irradian de luz y que la zona izquierda aparece muy iluminada, mientras que la derecha aparece muy oscura. El colorido es vivo, lleno de matices. Predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con los frios. Destacan el blanco y azul de la figura central. Su composición es es dinámica y movida.

La mujer del cuadro está flotando en las nubes y a su alrededor está rodeada de ángeles. Está vestida con un vestido blanco y un manto azul. Y está mirando al cielo. Esta imagen representa la gloria.




CONCLUSIÓN

Es un cuadro realista, hecho por Bartolomé Esteban Murillo en 1678, lo que más se destaca es el rostro y el vestido de la virgen. Este cuadro es barroco y religioso, en el que se muestra una mujer flotando sobre las nubes y a su alrededor está rodeada de ángeles.

La cena de Emaus

|título =La cena de Emaus


|autor =Caravaggio


|año =1596


|estilo =barroco


|técnica =óleo sobre lienzo


|localización =Londres

Descripción general=en esta pintura lo más llamativo es el tenebrismo y el escorzo.


INTRODUCCIÓN

La cena de Emaus es un cuadro del pintor Caravaggio, está realizado en óleo sobre lienzo y su estilo es barroco.


ANÁLISIS

Este cuadro está pintado en un óleo sobre un lienzo, tiene perspectiva, tiene tenebrismo, tiene colores oscuros, como el negro y rojo y también claros como el blanco , su composición es escorzo, es un tema religioso, los hombres y la mujer que están representados en el cuadro tienen mucha expresividad y personalidad.




En el cuadro de la Cena de Emaús, se relata un pasaje del Evangelio de San Lucas. En este, dos discípulos de Jesús, al huir de Jerusalén tras su muerte, se encuentran por el camino a un joven desconocido que se les une, cuando llega la noche deciden buscar refugio en Emaús y comparten la cena en una posada.Donde Jesús bendice el pan que van a comer.






CONCLUSIÓN


Este cuadro es propio del estilo barroco, fue pintado por Caravaggio en el año 1596, en el cuadro de la cena de Emaus se puede ver representado unos hombres que están cenando y Jesús está bendiciendo el pan que se van a comer.


Lo más llamativo de la obra es el escorzo y el tenebrismo.

                                                                 Ficha de pintura

|título = La vocación de San Mateo

|autor = Caravaggio

|año = 1599-1600

|estilo = Barroco

|técnica = Óleo sobre lienzo

|localización = En la iglesia de San Luis de los Franceses

Descripción general= La pintura representa la historia que se narra en el Evangelio según san Mateo

                                                         Introducción

La pintura se llama La vocación de san mateo realizada por Caravaggio entre el 1599 y 1600 de estilo Barroco y se encuentra de la iglesia de San Luis de los Franceses.

                                                        Comentario 



· Técnica y soporte: Se utiliza oleo sobre lienzo

· Perspectiva: Lo que hace es utilizar la luz para darle profundidad pero en general la perspectiva no le importa mucho

· Luz: A través de la luz el pintor intenta mantener la concentración en lo que desea de la escena. Utilizo un claroscuro. Caravaggio era muy jugando con las luces. Hay una parte claramente iluminada que entra por la ventana lateral y otra en sombras donde aparece Cristo que señala con la mano a mateo. Este juego de luces lo denomino como tenebrismo

. Colores: son cálidos aunque pálidos, efecto provocado por la incidencia de la luz. Mayoritariamente son marrones y estos son mas vivos según la luz que incide sobre los objetos o las personas.

· Composición: Los grupos están claramente descompensados en el cuadro, en la mitad inferior del lienzo.

· Función: La obra se inscribe en un proyecto general para decorar la Capilla que el cardenal Mateo Conterelli había abierto en la Iglesia romana de San Luis de los franceses

· Temas: Es de tema religiosa en la que se representa el pasaje bíblico en que se narra cómo Mateo se convirtió en apóstol de Cristo.

· Personalidad, emociones, expresividad: Se ve dramatismo en los personajes cuyos rostros y manos concentran la expresividad.

                                                          Conclusión



El tenebrismo caracterizado por intensos contrastes entre luces y sombras fue creado por caravaggio uno de los pintores más importantes de la época.

Palacio Medici Riccardi.

Palacio Medici Riccardi.

Ficha de pintura.

-Autor: Michelozzo di Bartolomeo.

-Año: 1445-1460
-Estilo: Renacentista.
-Técnica: Sencillez, proporción y espacios abiertos y diáfanos.
-Localización: Florencia.

Introducción. 

El palacio Medici está en Florencia, fue hecho por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444.
Su tipo es renacentista.

Análisis.

El palacio esta hecho en tres pisos, cada uno hecho con almohadillado. La planta de este palacio en renacentista, esto quiere decir que hay un patio rodeado por los dormitorios. 

En el exterior no hay ningún soporte, pero en el patio del exterior se oservan columnas sujetando arcos de medio punto.

Este patio permite una buena iluminación a las habitaciones que lo rodean.

Este palacio tiene un bóveda de cañón del siglo XIV en ella esta pintada la Apoteosis de la familia Médicis. Su tipo de estilo fue tomado del gótico.

Conclusión.

Michelozzo di Bartolomeo se inspiró en Leon Battista Alberti inspirándose en Leon Battista Alberti.
Este palacio expresa tranquilidad y al tener tanta iluminación da una sensación de alegría y de armonía.

Sacrificio de Isaac

                                           Ficha de escultura:

1. |título = Sacrificio de Isaac

2. |autor =  Alonso berruguete

3. |año =  (1526-1532)

4. |estilo = Renacimiento español

5. |técnica = Madera policromada

6. |localización = San Benito el Real de Valladolid

7. Descripción general=  Escultura en la que se representa la fe de Abraham que está apunto de sacrificar a su amado hijo Isaac como una prueba de fe que le manda dios.




                                                               Introducción

La obra se llama el sacrificio de Isaac esculpida por Alonso Berruguete. Este fue uno de los escultores mas importantes del Renacimiento español del siglo XVI

                                                             Comentario 



· Material y técnica: Madera policromada y dorada y pinturas al oleo para las vestiduras

· Frontalidad y contrapposto: El padre está de pies con una pierna adelantada y sujeta por el pelo a su hijo que está agachado y con una rodilla puesta en el suelo. Berruguete intenta atrapar el momento de máxima tensión cuando el padre está apunto de quitarle la vida a su hijo según se ve en ese momento cuando dios le dice que no es necesaria la muerte de su hijo.

· Líneas diagonales: Figuras agitadas, gestos exagerados, vestidura flotando

· Función: Tiene una función representativa para la iglesia y su tema es relijioso

· Personalidad, emociones, expresividad: En la obra se representa la dramatización en la escultura se representa frustración de Abraham y nerviosismo de Isaac El dolor de los dos personajes, cada uno por un motivo distinto, se aprecia en gran manera en los rostros.


                                                                        Conclusión

Se produjo el manierismo que es darle mas expresividad al rostro ahora tratan de evocar sentimientos intensos que reflejan el dramatismo de algunos pasajes de la biblia como es el Sacrificio de Isaac.
Berruguete se inspiro en el Renacimiento italiano.

Fachada de Santa María de Novella.

Ficha de arquitectura.

Título. ↬ Iglesia de Santa María de Novella.

Autor. ↬ Alberti Leon Battista.

Año. ↬ 1049.

Estilo. ↬ Renacentista.

Técnica. ↬ Fachada sobre una pared.

Localización. ↬ Florencia.

Descripción. ↬ Es una pequeña basílica renacentista construida sobre un pequeño oratorio, construido en honor a la Santa María de la Viña.

Introducción.

Hablaremos sobre la tan bonita y colorida fachada que posee la iglesia Santa María de Novella. Sobre cómo, cuándo y por qué se construyó.

Análisis.

La fachada, tal y como la vemos, está hecha de mármol, y se finalizó en 1470. En 1350, se cubrió de mármol blanco y verde. En la parte principal, en la gran entrada, podemos observar un arco de medio punto, en la que podemos observar a Jesucristo junto a santos y ángeles. Además, también hay dos puertas más a cada costado, pero nada importante.

La fachada también posee arcos ojival o apuntado, decorando antiguas ventanas, ahora tapadas. Su estilo principal es el renacentista.

Conclusión.

En conclusión, hemos analizado la famosa y bonita fachada de la iglesia de Santa María de Novella. Podemos identificar fácilmente de que se trata de mármol de diferentes colores. Posee una vidriera grande en la parte superior de la iglesia, en la que se ve, que contiene diferentes colores.

Finalmente, en 1919 fue declarada basílica menor.

El entierro del conde de Orgaz.

Ficha de lectura.

Título. ↬ El entierro del conde de Orgaz.

Autor. ↬ El Greco.

Año. ↬ 1582-1588.

Estilo. ↬ Manierista.

Técnica. ↬ Óleo sobre lienzo.

Localización. ↬ Iglesia de Santo Tomé. (Toledo)

Descripción general. ↬ En este bonito cuadro, podemos diferenciar dos zonas; una inferior y otra superior. En la inferior, podemos ver el cielo, junto a Jesucristo, la Virgen María, ángeles, santos y personas fallecidas. Abajo, en la parte inferior, podemos ver que tiene lugar un entierro, en este caso el de conde de Orgaz, en el que destacan personas de la iglesia, personas civiles y el propio fallecido.

Introducción.

Nos encontramos frente a un cuadro, llamado 'El entierro del conde de Orgaz', pintado por el Greco. Es un cuadro que a día de hoy es muy costoso y admirado. Se empezó a pintar en 1582, finalizando en 1588. E sun cuadro que tiene estilo manierista, que se dijo que era una imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacentismo, 

Comentario y análisis.

La principal técnica utilizado en este maravilloso cuadro es la del óleo en lienzo, siendo su soporte el propio lienzo. A simple vista, se puede ver la clara perspectiva que el cuadro posee, ya que se puede ver que a medida que se alejan las cosas, se van haciendo aún más pequeñas. Hay mucha perspectiva también en los personas, que uno está detrás de otro y de menor tamaño, indicando que está más atrás. No hay mucha luz, ya que quiere dar la sensación de tristeza por el entierro, pero se ilumina mucho el cielo, indicando el paraíso. Ahora, si nos centramos en la parte inferior, podemos ver que la poca luz que hay, viene de frente, concordando con las velas que hay, siendo la luz de origen artificial.

El Grego, utiliza colores oscuros y fríos, como el negro y el gris, excepto en el cielo, indicando nuevamente que es el paraíso, y la vestimenta que poseen los personas de la iglesia y el fallecido.

Se compone de personas que están presentes en el entierro y las personas de la iglesia, junto al conde de Orgaz. Pertenece al cinquecento. De tema, es la tristeza, según mi opinión, ya que en un entierro no se puede ser feliz o emocionado.

Conclusión.

Hemos analizado un cuadro de El Greco, en entierro del conde de Orgaz, pintando con óleo sobre lienzo, en 1582 y 1588.
Presenta luz artificial, gracias a las velas pintadas en el propio cuadro. Presenta tristeza, por los colores fríos y oscuros que el cuadro posee. A su vez, el cielo contiene colores claros, y algo alegres, producto de que es el llamado paraíso.
Se divide en dos partes, una en la que están los santos, ángeles, la Virgen María y Jesucristo, y otra, abajo, en la que se distinguen personajes de la iglesia, personas civiles y el fallecido.

LA GIOCONDA

FICHA DE PINTURA:

1. |título =La Gioconda

2. |autor =Leonardo da Vinci

3. |año =1503

4. |estilo =renacentista

5. |técnica =óleo sobre tabla

6. |localización =museo del Louvre(París)

7. Descripción general=es un retrato de La Mona Lisa,es un cuadro oscuro y la luz la ilumina principalmente el rostro.

INTRODUCCIÓN
Podemos observar esta pintura, que es un retrato de La Mona Lisa, su autor es Leonardo da Vinci y su estilo es del renacimiento . Es una obra ocura y muy realista.

ANÁLISIS
 Es una pintura propia del renacimiento porque intenta reflejar la belleza y la perfección . Su técnica es renacentista, está pintada sobre un óleo, tiene una perspectiva aérea y el fondo esta difuminado para que se vea mejor el retrato principal, la luz ilumina principalmente el rostro de la mujer, los colores con los que está pintada son oscuros y poco llamativos, el tema principal es La Mona Lisa. También se puede observar en su rostro una sonrisa que expresa alegría y tranquilidad. Y su composición es triangular.

CONCLUSIÓN
Es una obra muy famosa del renacimiento hecha por Leonardo da Vinci y muestra el retrato de una mujer y un paisaje difuminado al fondo. Es un rertato muy oscura y realista. La mujer expresa alegría y tranquilidad.