Las Meninas.

Título.↬ Las Meninas.

Autor.↬ Diego Velázquez.

Año.↬ 1656

Estilo.↬ Barroco.

Técnica.↬ Óleo sobre lienzo.

Localización.↬ Museo del Prado.

Descripción física.↬ El cuadro que vemos se llama "Las Meninas" y está hecho por Diego Velázquez, acabado en 1656. Su técnica es del óleo sobre lienzo, del estilo Barroco español.


Introducción.


Nos encontramos frente un cuadro de Diego Velázquez, pintado en 1656, y que pertenece al barroco español. Se encuentra en Madrid, en el museo El Escorial.

Análisis.

La técnica de este cuadro es la del óleo sobre lienzo, y el soporte es el lienzo. Tiene mucha perspectiva, ya que a medida que nos alejamos se puede ver que los personajes se están haciendo más pequeños.
La luz viene de frente, iluminando la sala, las meninas, la infanta y el interior. Se utilizan colores claros en la infanta, indicando limpieza y riqueza, mientras que las meninas visten colores más oscuros, pobres. 
Se observan detalles como el es espejo. Se observan dos personas, observando la escena que hacen las meninas.Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes, que se encuentran 'viendo' lo que nosotros vemos, el cuadro.Existen ventanas en la pared derecha y están abiertas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. 
Utiliza unos detalles muy específicos. El perro está tan bien pintado que tan solo le faltaría ladrar. Parece muy real.

Conclusión.

Hemos analizado uno de los cuadros más famosos del Barroco español, la luz, la técnica y los detalles que este bonito cuadro contiene.
'Meninas' proviene del portugués, que significa 'dama de compañía'

La escuela de Atenas.

Título.↬ La escuela de Atenas.

Autor.↬ Rafael Sanzio.

Año.↬ 1509 y 1910 (boceto) y 1510 y 1512 (pintura)

Estilo.↬ Renacimiento.

Técnica.↬ Pintura al fresco.

Localización.↬ Ciudad del Vaticano.

Descripción general.↬ La escuela de Atenas es un cuadro que tiene de base 7,70m y de altura 5m pintado por Rafael Sanzio en los años años 1510 y 1512 con el estilo renacentista.
Se encuenta actualmente en el museo del Vatiano, en la ciudad del Vaticano.



Introducción.


Nos encontramos frente a uno de los cuadros más famosos de Rafal Sanzio. Su estilo es renacentista, y representa la filosofía, en una escena en la que se puede ver una 'reunión' entre famosos filósofos.
Platón y Aristóteles aparecen en el centro del cuadro.


Análisis.

La técnica que se utiliza es la pintura al fresco (es cuando la pintura se realiza sobre una superficie cubierta de dos capas de cal) y su soporte fue una pared.
Tiene mucha y muy buena perspectiva. Se puede observar que cada vez que nos 'alejamos un poco' los filósofos se van haciendo más pequeños, mientras que los de delante, son grandes ya que están muy cerca.
La luz entra por todo el área, ya que arriba hay aperturas, por las que la luz penetras libremente al lugar.
Los colores utilizados son claros, comprendiendo entre aquellos; el rojo, el azul, y tonos de blanco amarillento, beige...
Se compone de filósofos.
Su tema principal es el de la filosofía.
Las personas que salen en el cuadro, tienen distintas expresiones, por ejemplo; Aristóteles yace culto y lo que parece, hablando sobre un tema con Platón.

Conclusión.

Hemos analizado uno de los más famosos cuadros de Rafaelo, la escuela de Atenas, Donde principalmente el estilo es el Renacimiento, por sus expresiones cultas y los colores llamativos y claros que hay.
También, la luz es algo esencial, ya que reina mucha luz en el cuadro.

El rapto de Proserpina.

Ficha de escultura.
Título. ↬ El rapto de Proserpina.

Autor. ↬ Gian Lorenzo Bernini.

Año. ↬ 1621y 1622.

Estilo. ↬ Barroco.

Técnica. ↬ Mármol.

Localización. ↬ Galleria de Borghese.

Descripción gráfica. ↬ Es una escultura del estilo barroco hecha por Gian Lorenzo Bernini, esculpida en mármol.

Introducción.

El rapto de Proserpina es una escultura diseñada en mármol de estilo barroco entre los años 1621 y 1622.

Análisis.

Podemos observar a dos personas en la escultura; Plutón y Proserpina. Podemos observar también el rechazo de ésta hacia él, que intenta acercarla y ella hace lo posible para alejarlo. Se observar unos detalles muy bien hechos; como por ejemplo los dedos de Plutón en la pierna de la mujer.

Para hacerla, Bernini utilizó como material el mármol. La textura de la escultura se puede observar a simple vista que es lisa y muy bien pulida. Nos damos cuenta de que es una muy bien trabajada y una de las mejores esculturas cuando observamos que Bernini transformó el mármol en carnosidad, dando efectos de sensualidad y erotismo.
Se observan los detalles que hay cuando observamos el rostro de Plutón mientras es empujado por Prosperina. Su piel se estira, y entonces su mano aprieta la pierna de la mujer.
La posición es un contraposto retorcido, una reminiscencia del Manierismo.
La obra tiene carácter violento y dinámico, el rechazo de la mujer hacia el hombre, creando diferentes expresividades.
La mezcla entre atracción y rechazo impregna toda la obra en una llena de expresividad.



Conclusión.

Hemos analizado una escultura de Bernini, del Barroco.
Es una de las más importantes de éste, ya que es famosa por sus precisos detalles.
El mito acaba siendo un modo muy bueno para la lección moral; así oponiendo la brutalidad de Plutón a la belleza de Prosperina, se confronta el vicio con la virtud. 

Fachada de Santa María de Novella.

Ficha de arquitectura.

Título. ↬ Iglesia de Santa María de Novella.

Autor. ↬ Alberti Leon Battista.

Año. ↬ 1049.

Estilo. ↬ Renacentista.

Técnica. ↬ Fachada sobre una pared.

Localización. ↬ Florencia.

Descripción. ↬ Es una pequeña basílica renacentista construida sobre un pequeño oratorio, construido en honor a la Santa María de la Viña.

Introducción.

Hablaremos sobre la tan bonita y colorida fachada que posee la iglesia Santa María de Novella. Sobre cómo, cuándo y por qué se construyó.

Análisis.

La fachada, tal y como la vemos, está hecha de mármol, y se finalizó en 1470. En 1350, se cubrió de mármol blanco y verde. En la parte principal, en la gran entrada, podemos observar un arco de medio punto, en la que podemos observar a Jesucristo junto a santos y ángeles. Además, también hay dos puertas más a cada costado, pero nada importante.

La fachada también posee arcos ojival o apuntado, decorando antiguas ventanas, ahora tapadas. Su estilo principal es el renacentista.

Conclusión.

En conclusión, hemos analizado la famosa y bonita fachada de la iglesia de Santa María de Novella. Podemos identificar fácilmente de que se trata de mármol de diferentes colores. Posee una vidriera grande en la parte superior de la iglesia, en la que se ve, que contiene diferentes colores.

Finalmente, en 1919 fue declarada basílica menor.

El entierro del conde de Orgaz.

Ficha de lectura.

Título. ↬ El entierro del conde de Orgaz.

Autor. ↬ El Greco.

Año. ↬ 1582-1588.

Estilo. ↬ Manierista.

Técnica. ↬ Óleo sobre lienzo.

Localización. ↬ Iglesia de Santo Tomé. (Toledo)

Descripción general. ↬ En este bonito cuadro, podemos diferenciar dos zonas; una inferior y otra superior. En la inferior, podemos ver el cielo, junto a Jesucristo, la Virgen María, ángeles, santos y personas fallecidas. Abajo, en la parte inferior, podemos ver que tiene lugar un entierro, en este caso el de conde de Orgaz, en el que destacan personas de la iglesia, personas civiles y el propio fallecido.

Introducción.

Nos encontramos frente a un cuadro, llamado 'El entierro del conde de Orgaz', pintado por el Greco. Es un cuadro que a día de hoy es muy costoso y admirado. Se empezó a pintar en 1582, finalizando en 1588. E sun cuadro que tiene estilo manierista, que se dijo que era una imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacentismo, 

Comentario y análisis.

La principal técnica utilizado en este maravilloso cuadro es la del óleo en lienzo, siendo su soporte el propio lienzo. A simple vista, se puede ver la clara perspectiva que el cuadro posee, ya que se puede ver que a medida que se alejan las cosas, se van haciendo aún más pequeñas. Hay mucha perspectiva también en los personas, que uno está detrás de otro y de menor tamaño, indicando que está más atrás. No hay mucha luz, ya que quiere dar la sensación de tristeza por el entierro, pero se ilumina mucho el cielo, indicando el paraíso. Ahora, si nos centramos en la parte inferior, podemos ver que la poca luz que hay, viene de frente, concordando con las velas que hay, siendo la luz de origen artificial.

El Grego, utiliza colores oscuros y fríos, como el negro y el gris, excepto en el cielo, indicando nuevamente que es el paraíso, y la vestimenta que poseen los personas de la iglesia y el fallecido.

Se compone de personas que están presentes en el entierro y las personas de la iglesia, junto al conde de Orgaz. Pertenece al cinquecento. De tema, es la tristeza, según mi opinión, ya que en un entierro no se puede ser feliz o emocionado.

Conclusión.

Hemos analizado un cuadro de El Greco, en entierro del conde de Orgaz, pintando con óleo sobre lienzo, en 1582 y 1588.
Presenta luz artificial, gracias a las velas pintadas en el propio cuadro. Presenta tristeza, por los colores fríos y oscuros que el cuadro posee. A su vez, el cielo contiene colores claros, y algo alegres, producto de que es el llamado paraíso.
Se divide en dos partes, una en la que están los santos, ángeles, la Virgen María y Jesucristo, y otra, abajo, en la que se distinguen personajes de la iglesia, personas civiles y el fallecido.